Il cinema è come una battaglia: amore… odio… azione… violenza… in una parola: emozione
(il grande regista Samuel Fuller interpretando se stesso spiega a Belmondo cos’è il cinema)

Ogni volta che vedo un film di Godard mi deprimo. Bisognerebbe impedirne la visione a tutti quanti hanno delle velleità, seppur flebili, in campo cinematografico. Io mentre vedevo questo incredibile film pensavo a quanto erano inutili le mie piccole storie che avevo scritto, volevo gettarle via…

Pierrot le fou è del 1965, cioè più di 40 anni fa!, ma è di una modernità straordinaria. Godard destruttura tutto il cinema classico e inquieta. Questo film per certi versi  prosegue il discorso di Fino all’ultimo respiro con i personaggi più o meno simili (c’è sempre Belmondo, e la meravigliosa Anna Karina al posto della meravigliosa Jean Seberg) e una trama non trama utile a Godard per sbalordire a ogni inquadratura.
Immenso gigantesco, straordianrio tour de force cinefilo e “politico”.

La trama

Dal romanzo Obsession di Lionel White. Abbandonati moglie e figli e sbarazzatosi di un cadavere, Ferdinand-Pierrot (Jean-Paul Belmondo) fugge con Marianne (Anna Karina) verso il mare. Ne esce un folle film dove la narrazione è spesso interrotta con un ricorso mirabile alle citazioni e al collage. Inseguimenti, furti, ganster, tradimenti, amori e un finale “pirotecnico” che commuove.

Il linguaggio straordinario e innovativo di Godard
Il personaggi spesso guardano in camera:

Anna Karina rivolta a Belmondo: ma con chi stai parlando?
Belmondo: con gli spettatori.
Karina: ah

I personaggi anche se inquadrati parlano spessissimo con voci fuori campo, incisive, necessarie e mai ridondanti (anche quando sono letterarie).
I “classici” cartelli godardiani o scritte raccontano o introducono un’azione.
Canzoni improvvise (anche cantate in presa diretta) interrompono l’azione.
Immagini riprese più volte (una stessa scena vista in più momenti del film).
Colori impensabili: la seconda scena, quella dove appare anche Fuller, è girata passando dal giallo al rosso al blu con una meraviglia per gli occhi dello spettatore.
Citazioni pittoriche (nel film si vedono quadri di Van Gogh, Renoir, Matisse, ecc…) riprese anche nel modo di girare.

Il contenuto.
Un noir, una riflessione sull’amore tra i due protagonisti, un road movie, un apologo politico, una critica generale a un sistema, un grido di rivolta? Tutto questo e altro in un film densissimo che magicamente rimane in equilibrio tra violenza mai troppo esibita, discorsi sulla guerra in Vietnam, l’Algeria, il terrorismo, il consumismo…
La trama poliziesca non è che un pretestuoso supporto per questo “poema cinematografico”, Quello che riesce a dire Godard sul cinema e sulla politica in un film è assurdo e demotivante per qualunque persona. Straordinario. Un film irraggiungibile, una vetta per il cinema di sempre.
Riprendo quanto detto all’inizio: non fatelo vedere in nessuna scuola di Cinema! Ci sarebbero defezioni in massa! Tutto è stato detto, tutto è stato fatto. Magicamente! In un film…
Magari però sarebbe utile farlo vedere ad alcuni pseudoregisti che credono di fare cinema, così magari imparano qualcosa, che so a un Von Trier non farebbe sicuramente male…

Voto 10

In tempi natalizi si mangia, si mangia e poi si mangia ancora. Più di un giorno mi sono sentito come un personaggio di quel meraviglioso film dei Monty Python che è Il senso della vita. L’obeso che mangia un pasto interminabile e si gonfia, si gonfia, si gonfia in modo impossibile. Poi chiede il conto. Il cameriere glielo porta insieme una piccolissima mentina e...

L’uomo mangia anche questa e esplode...

Si dice sia una parodia di La grande bouffe di Ferreri: Terry Jones è il terrificante obeso mentre e l'impareggiabile John Cleese è il cameriere. Poi ho pensato per giorni alla scena e ho dovuto rivedere il film.

Divertentissimo e geniale film a episodi, di dice vicino ai loro programmi televisivi dei primi anni '70 (che non ho visto però...). Si scherza la morte, la vita dopo la morte, le guerre coloniali, la follia e l'ipocrisia del nostro tempo, il Medioevo, il controllo delle nascite, cattolici e protestanti, l'educazione sessuale, la chirurgia e il sistema bancario che ispira il primo immaginoso sketch. I Monty Python erano capaci di dire delle cose (anche sulla religione) ora inavvicinabili. E che ridere…

Voto 8.

Odio il natale perciò il modo migliore per festeggiarlo è lasciarci per qualche giorno con il film più violento visto al cinema negli ultimi anni: il nuovo Cronenberg con il solito titolo demente italiano...

Una ragazza russa muore dando alla luce un figlio. L'ostetrica, Anna (Naomi Watts), ne traduce il diario alla ricerca dei parenti cui dare in affido il bambino. Scoprirà inquietanti rapporti con la mafia russa, giri di prostituzione e criminalità che rapidamente la stringono in una pericolosa rete dove conosce il gelido autista (Viggo Mortensen) di un placido boss (Armin Mueller-Stahl).

Cronenberg non racconta più le cose disturbanti e imperfette della vita (Il Pasto Nudo, Videodrome, La mosca, Inseparabili, ecc....) ma la normalità. Una normalità che è spesso ancora più anormale... Come molti hanno scritto, questo film si può considerare una naturale prosecuzione dello straordinario A History of Violence, là c’era una violenza nascosta nella vita di tutti i giorni, qui sempre di violenza si tratta ma vista da chi la fa di “mestiere”, negli "affari sporchi"... 

La promessa dell'assassino è bello e straziante, secco e brutale. È un film di genere? Secondo me solo apparentemente. Infatti le scene d'azione esplodono improvvise e non sono mai telefonate come nei thriller “normali”. Il film è comunque compatto e tesissimo, con una serie di colpi di scena che rispettano il genere, ma Cronenberg da grande regista sfrutta però le logiche del noir per parlare d’altro: i rapporti di famiglia sono fondamentali per il boss della mafia russa (il figlio vero e buffone Cassell e il figlio che avrebbe voluto Mortensen), così come lo sono per l’ostetrica che cerca nel placido e apparentemente innoscuo boss un punto di riferimento che non ha nello zio alcolizzato (il fantastico regista polacco Jerzy Skolimowski). E rimangono intatte anche alcune ossessioni alla Cronenberg estremo: i tatuaggi sul corpo di Viggo Mortensen raccontano la storia del protagonista,  e simboleggiano come un marchio questo mondo disturbante.

Si può anche accennare un discorso sulla violenza del film: è talmente radicale, disgustusa e cruda che è quasi parossistica, infatti in molti l’hanno vista come un balletto. E' comunque sconvolgente: la scena della sauna dove Viggo Mortensen, nudo, lotta contro due energumeni è forse la scena più cruda mai vista al cinema...

Voto 8.